Классицизм в музыке

В XVII веке, во время расцвета итальянского барокко в искусстве Франции в том числе и музыке определился другой стиль – классицизм (от латинского слова classicus, что значит „образцовый”), который охватывал все виды искусства и литературы. Возникновение классицизма было связано, с одной стороны, с появлением нового философского направления – рационализма (от латинского rationalis – разумный), которое признавало основой познания разум человека. Одним из основателей рационализма был философ Рене Декарт. С другой стороны, развитию классицизма способствовала абсолютная монархия – порядок, который воцарился во Франции с приходом к власти Людовика XIV и полностью покорил жизнь государства воле короля.

Классицизм основывался на изучении античных образцов. Считалось, что законы красоты можно постичь с помощью разума. Процесс творчества состоял, прежде всего, в соблюдении правил, установленных при изучении древних памятников. Правила разрабатывались Королевскими Академиями. В XVII веке во Франции появились Академия театра, Академия живописи и скульптуры, Академия музыки, Академия танца.

Классицизм был ведущим направлением в искусстве Франции второй половине XVII века. В начале XVIII века сформировалось другое течение, получившее название рококо. Возвращение классицизма во второй половине XVIII века было связано с распространением идей Просвещения, представителями которого во Франции были философы и писатели Дени ДидроЖан Жак РуссоПьер Бомарше и другие. Просветители вновь обратились к идеалам античности. Главным назначением литературы и искусства они считали воспитание человека. Сформированный на этой основе стиль получил название неоклассицизм (то есть новый классицизм). Стиль ампир, который распространился в начале XIX века, завершает развитие европейского классицизма.

Музыка эпохи классицизма

Воплощение в музыке героических, возвышенных сюжетов, характерных для классицизма, требовало больших форм. Во второй половине XVII века появилась французская опера. Основателем нового для Франции жанра стал придворный композитор Жан Батист Люлли (1632-1687 гг.), итальянец по происхождению. Люлли написал пятнадцать опер на античные сюжеты, много балетной музыки.

 Известные в свое время оперы и балеты на античные сюжеты писал композитор Жан Филипп Рамо (1683-1764 гг.). Этот жанр получил во Франции название „лирическая трагедия”. Во второй половине XVIII века „лирическая трагедия” уступила место новому жанру – бытовой комической опере на сюжеты из жизни обычных людей. Первой работой в этом жанре стала опера выдающегося философа эпохи Просвещения Жан-Жака Руссо „Деревенский колдун”. Лучшие произведения в жанре комической оперы написал композитор Андре Эрнест Модест Гретри (1741-1813 гг.), самая известная из них – „Ричард Львиное Сердце”. Музыка опер Гретри напоминает бытовые песни и романсы.

Классицизм заметно повлиял и на искусство танца. Более сложной стала техника, появились прыжки и пируэты. Во второй половине XVII века балетмейстер Пьер Бошан, исходя из принципов выворотности, установил пять позиций ног, заложив основы классического балета. Этот танец ориентировался на античные образцы, отраженные в памятниках изобразительного искусства.

Композиторы эпохи классицизма

Венский музыкальный классицизм

Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в театре, архитектуре или живописи. В музыке невозможно подражать античным традициям, потому что они почти неизвестны. Невозможно контролировать разумом чувства человека, с которыми связано содержание музыкальных произведений. Однако композиторы-классики создали очень стройную и логичную систему правил построения произведений. Благодаря этому самые сложные чувства приобретали ясную и совершенную форму, становились предметом осмысления, а не переживания. Музыка композиторов-классиков во многом противоположна ярко эмоциональной музыке барокко. Ей свойственна благородная сдержанность в проявлении чувств, бережливое использование выразительных возможностей: гармонии, тембров и других средств.

В середине XVIII века Кристоф Виллибальд Глюк, придерживаясь художественных принципов классицизма, создал новый тип оперы. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена. Эти композиторы работали преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре, что называют Венской классической школой. Произведения венских классиков, близкие и понятные очень многим людям, и сейчас популярны у слушателей. До сих пор сохраняет свое значение также система жанров, форм и правил гармонии, разработанная Венской школой.

Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787)

Глюк - представитель классицизма

С именем этого композитора связано появление оперы, основанной на художественных принципах классицизма. К середине XVIII века итальянская „серьезная опера” и французская „лирическая трагедия” во многом устарели, а комические оперы ограничивались мелкими бытовыми темами, в то время как классицизм требовал произведений, способных решать высокие нравственные проблемы.

Создателем оперы нового типа стал Кристоф Виллибальд Глюк. Его лучшие оперы, как правило, написаны на античные сюжеты и во многом связаны с традициями античного театра — в них минимальное количество действующих лиц, каждый из которых символизирует определенное понятие (Любовь, Долг, Справедливость), важную роль играет хор. В новаторских операх Глюка музыка целиком подчинена драматургии, смыслу слов.

В ариях композитор отказался от виртуозности и украшений, если они противоречили содержанию действия, более мелодизированным стал речитатив, возросла роль оркестра. Балетные сцены в операх Глюка не являются вставным дивертисментом, как это было когда-то, а органично включены в действие. Основа музыки Глюка-мелодия, всегда естественная и выразительная. "Я хотел привести музыку к ее истинной цели, которая заключается в том, чтобы придать поэзии больше выразительной силы... не прерывая действия и не расхолаживая ее ненужными украшениями”, – писал композитор.

Кристоф Виллибальд Глюк родился в австрийском городе Эрасбах в семье лесничего. С трех лет проявил яркие способности, музыке учился в Праге. С 1735 года работал домашним музыкантом в богатых домах Вены. Четыре года Глюк провел в Милане, где завершил свое музыкальное образование. В Италии композитор написал свои первые оперы в традициях итальянской opera seria, имевших большой успех. В составе оперной труппы он посетил многие европейские города. В 1745 году в Лондоне Глюк знакомится с музыкой Генделя и изучает английские народные песни.

С 1752 года Глюк живет в Вене. В 1754 году он становится придворным композитором. На это время Глюк уже был автором многих известных опер и нескольких балетов. Изучив итальянскую, французскую и немецкую оперные традиции, композитор постепенно пришел к мысли об оперной реформе.

Первыми операми, созданными по новым правилам, стали „Орфей и Эвридика”, „Альцеста”, „Парис и Елена”, написанные в сотрудничестве с итальянским поэтом и драматургом Раньери Симоне Франческо Мария де Кальцабиджи. Эти работы Глюка получили признание в Вене.

В 1774 году Глюк переезжает в Париж, где пишет еще несколько новаторских опер, что вызывали как восхищение слушателей, так и споры. Композитора поддерживали философы и писатели Жан Жак Руссо, Дени Дидро.

В Вену Глюк вернулся в 1779 году. В этом городе композитор провел последние годы жизни.

Опера”Орфей и Эвридика"

Это первая из реформаторских опер Глюка. Опера написана на либретто драматурга Кальцабиджи по античному сюжету. Певец Орфей скорбит по умершей любимой жене Эвридике. Амур сообщает ему волю богов: Орфей должен спуститься за Эвридикой в подземное царство мертвых и вывести ее на землю, ни разу не взглянув на жену. Орфей спускается в мир теней, своим волшебным пением смягчает гнев грозных фурий, проходит в Элизиум, где живут чистые души, и, найдя среди них Эвридику, ведет ее на землю. Сжалившись на мольбы жены, Орфей нарушает запрет богов, и Эвридика снова умирает. Однако Амур, сочувствуя Орфею, пробуждает Эвридику к новой жизни.

Важную роль в опере играют хоровые сцены. Одна из самых выразительных – сцена Орфея с обитателями подземного мира. Своим прекрасным пением и игрой на лире музыкант постепенно успокаивает свирепых фурий. Символическое содержание этого эпизода-борьба человека с силами смерти.

Светлый покой чистых душ в полях Элизиума изображает балетная сцена в опере. В мире блаженных теней царит безграничный покой. Прекрасный эпизод из музыки балета – знаменитое соло флейты, известное под названием „Мелодия”.

Йозеф Гайдн (1732-1809)

Гайдн - композитор эпохи классицизма

Гайдн был выдающимся представителем венской классической школы. С его творчеством связан расцвет таких жанров, как симфония (их сохранилось 104), клавирная соната (52), квартет. Композитор писал также концерты для различных инструментов, камерные ансамбли, духовной музыки, оперы и оратории.

Гайдну принадлежит заслуга формирования постоянного состава симфонического оркестра, что является одним из признаков классицизма. Звучание инструментов приводилось таким образом в определенной системы, которая подчинялась правилам инструментовки, становилось цельным и однородным.

В своем творчестве Гайдн опирался на музыку народов Австрии, используя подлинные народные мелодии или создавая свои в характере народных напевов.

Жанр Симфония

Йозефа Гайдна часто называют „отцом” классической симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки, окончательно утвердился симфонический цикл, сформировавшийся в творчестве мангеймских композиторов. Слово "цикл”, "цикличность" означает многочастность произведения. В классической симфонии обычно четыре части. Традиционно первая и четвертая части звучат в основной тональности.

Первая часть, как правило, выполняется y быстром темпе и пишется в сонатной форме, содержащая три раздела — экспозицию, разработку и репризу и построена на сопоставлении двух основных музыкальных тем — главной и побочной. Иногда первой части симфонии предшествует медленное вступление.

Вторая часть симфонии медленная, лирическая. Музыка третьей части чаще всего танцевальная или фантазийная и образует трехчастную репризную форму. Композиторы XVIII века использовали в третьей части симфонии жанр менуэта — наиболее распространенного танца той эпохи. Четвертая часть симфонии, ее финал, выполняется y быстром темпе. Это итог развития тем и образов всего произведения.

Симфония Гайдна Es-dur — одна из двенадцати „Лондонских симфоний”, ее называют „Симфоний с тремоло литавр”. Первая часть начинается с медленного таинственного введения, контрастирующего с темами экспозиции:

B основе сонатного Allegro — две танцевальные темы, легкие и изящные. Для симфоний Гайдна не типичен значительный контраст между главной и побочной партиями.

Вторая часть симфонии, Andante, по характеру спокойная и серьезная. Она написана y форме двойных вариаций. Поочередно развиваются, постепенно сближаясь, две разные по настроению темы — минорная и мажорная:

Третья часть, менуэт, написана в трехчастной репризной форме. Средняя часть менуэта называется трио, звучность оркестра в ней облегчена. B основе финала симфонии — веселая мелодия, которую исполняют струнные на фоне „золотого хода валторны:

Все части симфонии соединены радостным настроением музыки, основанной на танцевальных мелодиях народного состава.

Клавирное творчество Гайдна. Сонаты E-moll и D-dur

Для клавира Гайдн написал очень много произведений. Это сонаты, рондо, вариации, небольшие пьесы в танцевальных жанрах. Клавирные произведения Гайдна и сейчас исполняются в концертах, их играют и опытные музыканты, и начинающие.

Лучшая часть клавирного наследия Гайдна-его сонаты.

Ha отличие от симфонии, соната предназначена лишь для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Обычно это трехчастный цикл: сонатное allegro, медленная часть, быстрый финал, часто y форме рондо. Части цикла, контрастируя между собой, раскрывают единый художественный замысел.

Гайдн написал 52 клавирные сонаты. Их прозрачная звучность связана с особенностями клавесина, для которого писались эти произведения. Самые известные из клавирных сонат Гайдна-Es-dur, D-dur, e-moll и другие.

Главная партия первой части сонаты e-moll написана в очень быстром темпе (presto), звучит взволнованно и беспокойно.

Побочная партия в параллельном мажоре-более светлая и мягкая.

Вторая часть сонаты, Andante-лирический центр произведения. В неторопливой музыке отсутствуют контрасты и напряженность:

Финал сонаты написан в форме рондо. Грациозный и взволнованный рефрен чередуется с двумя эпизодами, которые можно рассматривать как вариации на тему рефрена.

Веселую, оживленную, жизнерадостную сонату Pe мажор часто играют и ученики, и известные пианисты. Эта соната также состоит из трех частей. Быстрые и веселые крайние части обрамляют более спокойную и сосредоточенную среднюю.

Первая часть написана в сонатной форме. Главная партия бойкая и задорная, побочное, более мягкая и изящная, написана в тональности доминанты – Ля мажоре. После напряженной разработке обе темы звучат в основной тональности Ре мажор.

Содержание второй части-глубокое серьезное размышление. Финал, написанный y форме рондо, возвращает слушателей к веселому настроению первой части.

В сонатах Pe мажор и ми минор проявились характерные черты большинства клавирных произведений Гайдна-легкость и красота мелодий, отсутствие резкого контраста между темами, небольшая звуковая насыщенность.

В.А.Моцарт

Биография Моцарта

Творчество Моцарта, одного из величайших гениев мировой музыкальной культуры, занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая сдержанность и ясность соединились с глубокой эмоциональностью. В.А.Моцарт впервые показал в музыке противоречивость внутреннего мира человека.

Моцарт писал y всех музыкальных жанрах, существовавших в его время. Он автор 15 опер, 41 симфонии, других произведений для оркестра, концертов для разных инструментов с оркестром, камерных ансамблей, фортепианных произведений, кантат и ораторий, песен. Bо всех жанрах композитор создал настоящие шедевры музыкального искусства.

В отличие от Гайдна, который почти не покидал Австрию, Моцарт с раннего детства путешествовал по многим европейским странам. Воспринимая различные музыкальные влияния, он обобщил y своем творчестве лучшие достижения мировой музыкальной культуры.

Людвиг ван Бетховен (1770–1827)

биография бетховена

Музыка Бетховена-одно из самых значительных явлений мировой культуры. В творчестве Бетховена отразились героика и драматизм эпохи французской революции, пришедшейся на годы его юности, стремление к гуманизму, разуму и воле. Лучшие произведения композитора обозначены энергией, силой, грандиозными масштабами.

Ясностью мышления, стройностью формы, оптимистическим отношением к жизни музыка Бетховена соответствует традициям венского классицизма. Однако в творчестве композитора есть и другие черты, характерные для уже зарождавшегося романтического искусства. Это свободное переосмысление привычных жанров и форм, драматизм и яркая эмоциональность, а также обращения к вокальной и фортепианной миниатюры, стремление к программности в музыке.

Бетховен написал 9 симфоний, 11 увертюр для оркестра, y том числе „Эгмонт”, оперу „Фиделио”, квартеты, концерты, 32 фортепианные сонаты, песни и другие произведения. На протяжении творческой деятельности композитор постоянно искал новые выразительные возможности, добиваясь правдивого воплощения чувств и мыслей.

 

Композитор(исполнитель)

МЫ ВКОНТАКТЕ - Подпишитесь, чтобы не пропустить новинки