Великая французская революция 1789-1799 годов определила развитие европейского искусства XIX века. Был разрушен старый жизненный уклад. Открытием века стало осознание неповторимой ценности человеческой личности. С этим связано возникновение нового направления, стал ведущим в европейском искусстве XIX века – романтизма.
Кратко о музыке эпохи романтизма
Романтизм в музыке Германии XIX века
Музыкальная культура романтизма в Италии XIX века
Музыкальная культура романтизма Франции XIX века
Музыкальная культура Чехии в эпоху романтизма
Музыка романтизма в творчестве Эдварда Грига
Легкая музыка эпохи романтизма
Эпоха романтизма
Черты, близкие к романтизму, появлялись уже в творчестве поэтов эпохи Просвещения Гете („Страдания юного Вертера”), Шиллера („Разбойники”). Отчасти возникновение романтизма было подготовлено сентиментализмом – течением в европейской культуре конца XVIII века, в котором обращали особое внимание на внутренний мир и чувства человека. Однако впервые идеи романтизма выдвинули молодые философы и поэты Германии – Новалис, Шлегель, Шиллинг и другие. Они утверждали, что главная задача художника – отразить движения души, разнообразные чувства и настроения.
Термин "романтизм"” в Европе XVII–XVIII веков означал фантастические, таинственные сюжеты, связанные с романским миром – Испанией и Италией. В XIX веке так стали называть произведения, которые не соблюдали правил классицизма. Романтики утверждали, что не Разум должен быть в центре внимания художника, а Дух, свободный и непокоренный. Главное в романтическом произведении – чувства и фантазия автора. Для художника-романтика не было законов в искусстве, его единственное правило – искренность и открытость чувств.
Одной из наиболее существенных особенностей романтизма становится противопоставление мечты и действительности. В творчестве писателей-романтиков – Байрона, Шелли, Гофмана и других – сформировался тип романтического героя. Это молодой человек, разочарован в жизни и людях, он недоволен внешней средой, скучает и не находит себе утешения. Столкновение с несовершенством общества – источник его разочарований, презрения к окружающим и страданий. Однако очень часто герой, который страдает, начинает действовать, поднимается на борьбу против общества и его законов. В связи с этим говорят о двух типах романтического героя – пассивного, что убегает от действительности в свои мечты и фантазии, и активного, деятельного, что вступает в конфликт с окружающим миром.
Романтики развивали наиболее лирические, интимные виды искусства, в которых читатель или зритель остается как бы наедине с автором – живопись, музыку, художественную литературу. Расцвели небольшие, камерные жанры – рассказ, баллада, стихотворение в литературе; песня, инструментальная миниатюра в музыке. Часто мелкие произведения объединялись в циклы.
Тематика романтических произведений очень разнообразна. Одна из основных тем в творчестве романтиков – любовь. Большое внимание уделялось также образам природы. Кроме того, XIX век – время больших исторических и археологических открытий. В связи с этим романтики проявляли интерес к истории – Древнего Египта, Античности и Средних Веков, к мусульманскому миру. В искусстве романтиков разных стран впервые стали широко использоваться характерные элементы национального фольклора. Часто встречаются мистические, фантастические темы и сюжеты потому что главное для романтиков – необычность, незаурядность изображаемого.
Новые темы нуждались в новых выразительных средствах. В эпоху романтизма в разных видах искусства заметно выросло техническое совершенство, виртуозность исполнения. Это проявилось в творчестве скрипача Никколо Паганини, пианистов Фридерика Шопена и Ференца Листа. В балете появился танец на пуантах, танцовщики освоили технику фуэте. В романтическом искусстве техническое совершенство была не самоцелью, а способом донести до слушателя и зрителя замысел автора.
Кратко о музыке эпохи романтизма
Идеальным видом искусства, способным передать тончайшие движения человеческой души, романтики считали музыку. Именно в музыке черты романтизма проявились особенно ярко. В творчестве композиторов-романтиков сложилось новое представление о красоте, что нашло отражение в стремлении к предельной эмоциональной и психологической выразительности. Эти особенности романтизма отчасти заметны уже в творчестве Бетховена, но интенсивно начали развиваться в музыке композиторов XIX века. Одновременно все выдающиеся композиторы-романтики старались соединить новое с лучшими достижениями предшественников, изучая наследие музыкантов прошлых поколений.
В своем творчестве композиторы-романтики, стремясь передать неуловимые движения человеческой души, обращались к картинам природы, сказочным и фантастическим образам, событиям истории. Главное место в музыке заняла любовная лирика. Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающее содержание произведения. Иногда музыка писалась как иллюстрация к произведению литературы или живописи. Так осуществлялась популярна в романтиков идея синтеза искусств.
Много композиторов-романтиков считали, что с помощью музыкального образования можно изменить мир и человека, поэтому занимались публицистикой и просветительской деятельностью, часто выступали как инструменталисты-исполнители и дирижеры, пропагандируя свои произведения. Именно романтики создали в XIX веке в Европе систему публичных концертов.
Большие изменения произошли также в музыкальном театре. В творчестве композиторов-романтиков появились новые типы оперы: народно-сказочная, лирико-психологическая, героико-романтическая. В то же время комическая опера постепенно перерождается в оперетту, чисто развлекательный жанр музыкального театра. Таким образом, в эпоху романтизма музыка разделилась на „серьезный” и „легкий” жанры.
Задачи, которые ставили перед собой композитора-романтики, требовали новых выразительных средств. Изменились традиционные классические жанры (симфония, соната, концерт), появились новые (симфоническая поэма, концертная увертюра, фантазия, баллада). Главными у романтиков стали демократические жанры, родственные с городской бытовой музыкой романс и инструментальная миниатюра. У романтиков небольшие произведения часто соединяются в циклы, части которых связаны определенной драматургической линией.
Одна из важнейших особенностей музыки романтиков – значительное усиление гармонической и тембровой красочности. Сложнее и разнообразнее стали аккорды, композиторы начали широко употреблять смелые и яркие тональные сопоставления. Небывалого блеска достигает звучания симфонического оркестра, в его состав вводятся новые инструменты. Очень выросла техника музыкантов-инструменталистов и мастерство дирижеров.
Композиторы-романтики впервые стали смело использовать в творчестве национальный фольклор, народные мелодии разных стран. Одна из важнейших особенностей романтизма – зарождение национальных композиторских школ, появление композиторов мирового значения в странах, музыкальное искусство которых к этому времени было почти неизвестно в Европе – Польше, Венгрии, России, Норвегии, Испании и других.
Романтизм в музыке Германии XIX века
Композиторы-романтики Германии в своем творчестве опирались на богатые традиции немецкого искусства. Кроме того, важное место в творчестве немецких романтиков занимает национальный музыкальный фольклор. Ведущими жанрами в творчестве композиторов Германии XIX века были вокальная миниатюра и камерно-инструментальные произведения. В это время в Германии сформировалась национальная романтическая опера, возникли новые жанры симфонической музыки, в частности, концертная увертюра.
Карл Мария фон Вебер (1786-1826)
Композитор, дирижер и пианист, один из основателей музыкального романтизма в Германии и создатель немецкой национальной романтической оперы. Родился в семье музыкантов, музыке учился у отца, а также у известных немецких и австрийских композиторов. С одиннадцати лет выступал как пианист-витруоз, а с восемнадцати дирижировал театральными оркестрами. С 1813 по 1816 год Вебер руководил оперным театром в Праге, а в 1817 году возглавил театр в Дрездене.
Наиболее ценная часть творческого наследия Вебера – три его последние оперы „Волшебный стрелок”, „Эврианта” и „Оберон”, написанные на сюжеты народных сказаний. Первая из них, „Волшебный стрелок”, была впервые поставленная в Берлине в 1821 году. В либретто композитор использовал народную легенду об охотнике, который продал душу дьяволу. В опере реалистичные картины переплетаются с народно-фантастическими образами. В музыке широко использованы интонации немецких народных песен и танцев. В изображении фантастического мира злых сил важную роль играют оркестровые эпизоды, в которых используются необычные краски, затейливые диссонирующие гармонии, смелые тональные сопоставления. Много внимания композитор уделяет отражению чувств главных героев – Макса и Агаты.
В своем творчестве Вебер обращался и к инструментальным жанрам. Широко известны его фортепианные произведения – сонаты, вариации, пьесы, а также концерты для разных инструментов с оркестром.
В разные периоды жизни Вебер публиковал критические статьи, посвященные анализу новых музыкальных произведений, в которых неизменно выступал за развитие национального искусства.
Феликс Мендельсон-Бартольди (1809-1847)
Композитор, дирижер, пианист и органист, один из наиболее значительных немецких композиторов XIX века. Одной из важнейших сторон деятельности Мендельсона была его музыкально-просветительская работа.
Композитор родился в Гамбурге в культурной и обеспеченной семье, получил прекрасное разностороннее образование, в том числе и музыкальное, с детства общался со многими выдающимися деятелями науки и искусства своего времени. С десяти лет выступал как пианист-виртуоз, тогда же начал сочинять музыку. Образцом для себя композитор считал произведения Баха, Моцарта, Бетховена.
Мендельсон был также талантливым дирижером, что пропагандировал лучшие достижения мировой музыкальной культуры. Благодаря его усилиям, после многих лет забвения исполнялась музыка Баха впервые прозвучали некоторые произведения Генделя, Моцарта, Шуберта и других композиторов.
По инициативе Мендельсона в 1843 году была открыта первая в Германии Лейпцигская консерватория. Система музыкального образования, разработана композитором, стала образцом для многих высших музыкальных учебных заведений в Германии и других странах.
Мендельсон писал произведения почти во всех музыкальных жанрах. Характерные черты его музыки — опора на древние немецкие традиции, мелодичность и доступность, преобладание светлых образов. Центральное место в творчестве Мендельсона занимают лирические „Песни без слов” для фортепиано, близкие к немецкой бытовой вокальной музыки. Эти пьесы, мелодичные и технически несложные, часто играют учащиеся и студенты музыкальных учебных заведений и музыканты-любители.
Мендельсон много работал в жанрах симфонической музыки. С его симфоний наиболее известны „Итальянская” и „Шотландская”. Композитор создал новый жанр симфонической музыки – программную концертную увертюру. Самая известная из увертюр Мендельсона – сказочно-романтическая „Сон в летнюю ночь” по одноименной комедии Шекспира, первая часть из музыки к театральной постановке. Частью из музыки к этой пьесе есть и знаменитый „Свадебный марш”.
Одним из лучших произведений Мендельсона является также Концерт для скрипки с оркестром e-moll, в котором соединились классическая ясность формы и серьезности содержания с романтической искренностью и поэтичностью.
Роберт Шуман (1810-1856)
Немецкий композитор-романтик, дирижер, общественный деятель. Боролся за прогресс в музыке, хотел, чтобы „музыка исходила из глубины настоящего и была не только приятной, утешительной и красивой по звучанию, но и стремилась к чему-то еще.
Роберт Шуман родился в городке Цвиккау недалеко от Бонна. Рано проявил художественную одаренность: писал стихи, музыку, играл на фортепиано. По настоянию родителей поступил на юридический факультет университета, одновременно занимался музыкой у известного педагога Ф. Вика, дочь которого, талантливая пианистка Клара, стала впоследствии его женой.
В 1834 Шуман основал в Лейпциге „Новый музыкальный журнал” и в течение десяти лет был его главным редактором, рассказывая о музыке в увлекательной форме. Часто Шуман писал статьи от имени придуманных им героев — пылкого Флорестана, мечтательного Эвзебия, рассудительного Раро. В эти годы композитор вместе со своим другом Феликсом Мендельсоном принимает активное участие в создании и работе Лейпцигской консерватория.
На это же время приходится и расцвет его композиторского таланта. Шуман пишет циклы фортепианных пьес „Бабочки”, „Карнавал”, „Фантастические пьесы”, „Крейслериана” (по произведениям писателя-романтика Гофмана) и другие, а также фортепианные сонаты. Несколько произведений для фортепиано Шуман посвятил детям. В цикле „Детские сцены” он с теплым юмором смотрит глазами взрослого на мир детей. Для пианистов начинающих Шуман написал „Альбом для юношества”, состоящий из несложных программных пьес. Многие из них и сейчас входит в репертуар учащихся детских музыкальных школ. Адресовано детям также сборник фортепианных дуэтов „20 пьес для больших и маленьких детей”.
Композитор создал несколько вокальных циклов, наиболее известные из них — „Любовь поэта”, „Любовь и жизнь женщины”, „Мирты”, а также „Песенный альбом для юношества”. Шуман обращался и в крупных жанров. Он автор концерта для фортепиано с оркестром, четырех симфоний, оратории „Рай и Пери”, музыки к драме Байрона „Манфред”, опера „Геновева” на сюжет средневековой легенды.
В последнее десятилетие жизни вместе с Кларой, которая была первой исполнительницей его фортепианных произведений, Шуман неоднократно гастролировал в разных странах Европы. Побывали они и в России, где их принимали с восторгом и почестями.
Карнавал
Один из наиболее оригинальных произведений композитора. Цикл состоит из двадцати пьес, в которых воплотилось многое из жизни, рассуждений и увлечений Шумана поры его творческого расцвета. В „Карнавале” проходят образы как вымышленных лиц, так и реальных людей: это Флорестан и Эвзебий, Шопен и Паганини, персонажи итальянской комедии масок (Пьеро, Арлекин, Панталоне, Коломбина), Клара („Киарина”), первая любовь Шумана Эрнестина („Эстрелла”). Мастер музыкального портрета, Шуман умел одним штрихом передать характерное в образе героя.
Кульминация цикла — „Марш Давидова братства” (придуманного Шуманом союза), в котором близкие ему по убеждениям люди выступают против обывателей, далеких от всего нового и смелого в искусстве. Цикл фортепианных пьес „Карнавал” – одна из самых радостных и светлых страниц творчества Шумана.
Рихард Вагнер (1813-1883)
Расцвет творчества Вагнера приходится на вторую половину XIX века, когда немецкая музыкальная культура переживала подъем, связанный с распространением идеи национального объединения. Во многих городах Германии появились хорошие хоры и оркестры, оживилась театрально-концертная жизнь, развивалась музыкальная критика. Вагнер, последний великий композитор-романтик XIX века, вошедший в историю искусства не только как композитор, но и как замечательный дирижер, талантливый поэт-драматург, одаренный публицист, теоретик музыкального театра.
Вагнер прежде всего оперный композитор. Главным жанром он считал музыкальную драму, смысл которой должен основываться на древних мифах и легендах, утверждающих вечные ценности. Драматургию произведения обнаруживает музыкальная декламация, которую композитор называл «бесконечной мелодией», построенная на длинных музыкальных фразах, плавно перетекающих одна в одну. То, что до конца не может выразить слово, передает оркестр, роль которого в операх Вагнера очень большая. Характерной чертой творчества композитора является использование системы лейтмотивов — музыкальных тем, связанных с определенными образами. В творческом наследии Вагнера тринадцать опер. Почти все они созданы на сюжеты древних германских легенд. Либретто для своих опер Вагнер писал сам.
Кроме того, композитор написал ряд симфонических и вокальных произведений, несколько сонат и пьес для фортепиано, а также множество литературных произведений по вопросам истории, политики, культуры, театра, музыки.
Вагнер родился в 1813 году в Лейпциге, рос в артистическом окружении. Музыке начал учиться только с пятнадцати лет, но уже к двадцати годам написал несколько сонат и пьес для фортепиано, ряд оркестровых сочинений, в том числе симфонию. С 1834 года работал дирижером в оперных театрах Магдебурга и Риги, несколько лет жил в Париже. В это время Вагнер пишет свои первые оперы не имели успеха.
В 1842 году Вагнер возвращается в Германию и становится дирижером оперного театра в Дрездене. На это время приходится создание опер на сюжеты немецких народных легенд. Эти оперы — „Летучий голландец”, „Тангейзер” и „Лоэнгрин” — принесли композитору успех.
После поражения в Германии революции 1849 года Вагнер был вынужден на десять лет покинуть родину. До 1858 года он жил в Швейцарии. Там композитор начал работу над тетралогией (цикл из четырех опер) „Кольцо Нибелунгов” и оперой „Тристан и Изольда”. С 1858 года Вагнер много концертировал как дирижер. В 1863 году он посетил Россию, дал шесть концертов в Петербурге и три в Москве.
С 1861 по 1867 год Вагнер работал над оперой „Нюрнбергские мейстерзингеры”, главным героем которой стал не легендарный, а реальный персонаж — певец-сапожник Ганс Сакс. В этом произведении Вагнера, светлом и радостном, наиболее ярко проявились черты реализма.
В 1866 году композитор вновь уехал в Швейцарию, где жил до 1872 года. В этот период он завершил тетралогию „Кольцо нибелунга”, в которую вошли оперы „Золото Рейна”, „Валькирия”, „Зигфрид” и „Гибель богов”.
В 1872 году Вагнер возвращается в Германию. У него появилась возможность осуществить свою давнюю мечту — открыть собственный музыкальный театр. Строительство дома в баварском городе Байрейте была закончена в 1872 году. С тех пор там ежегодно проходят фестивали, на которых звучат оперы Вагнера.
В 1882 году, незадолго до смерти, композитор завершил свое последнее произведение — оперу „Парсифаль”, в которой воплотил мечту о сильной личности, непідвласну жизненным испытанием.
Иоганнес Брамс (1833-1897)
В своей музыке Брамс продолжал классические традиции, обогащая их достижениями немецкого романтизма. Творчество Брамса — итог развития немецкой музыки XVIII — XIX веков. Брамс создал множество произведений во всех известных на тот момент жанрах (кроме оперы). Он автор четырех симфоний, камерно-инструментальных ансамблей, сонат, пьес, вариаций и других произведений для фортепиано. Значительную часть творческого наследия Брамса составляют вокальные и вокально-симфонические произведения: песни и романсы, ансамбли и хоры, кантаты. В отличие от большинства романтиков, композитор в своей музыке избегал полной открытости в изображении чувств. Она преимущественно серьезная и сдержанная.
Характерной чертой творчества композитора есть также интерес к народной музыке — прежде всего немецкой, а также венгерской, славянской, цыганской. Брамс оставил несколько сборников обработок народных песен, в которых вошло более ста произведений.
Брамс родился в Гамбурге в семье городского музыканта. С семи лет начал учиться игре на фортепиано, позже брал уроки теории музыки и композиции. С четырнадцати лет Брамсу пришлось работать — он играл на рояле в ресторане, в театрах, давал частные уроки музыки. В это время Брамс уже писал музыку, но его ранние произведения не сохранились.
В 1853 году Брамс познакомился с Р. Шуманом. Увлеченный музыкой Брамса, Шуман написал для „Нового музыкального журнала” статью „Новые пути”, принесшую молодому композитору популярность. С этого времени до самой смерти Шумана в 1856 году Брамс был его другом и учеником.
После смерти Шумана Брамс несколько лет ездил с гастролями по Германии. Среди произведений этого периода — Первый фортепианный концерт, камерные ансамбли, вокальная музыка. Композитор изучает народную музыку, издает сборники обработок немецких народных песен. Среди них — сборник детских песен, многие из них выполняется и сейчас („Колыбельная”, „Домовой”, „Спящая красавица”).
В 1862 году Брамс переехал в Вену. В первые годы жизни в Вене он закончил „Немецкий Реквием”, для которого использовал фрагменты из Библии на немецком языке. Благодаря этому произведения Брамс стал знаменитым в Европе композитором. Были созданы также песни на стихи Гете и современных Брамсу поэтов, „Песни любви” для вокального квартета и фортепиано в четыре руки, написаны в жанре вальса и предназначены для домашнего музицирования. Для двух фортепиано Брамс пишет знаменитые „Венгерские танцы”, в которых использованы народные венгерские напевы.
В 1876-1877 годах Брамс заканчивает Первую и Вторую симфонии, а в 1883-1885 годах появляются Третья и Четвертая симфонии, наиболее яркие образцы симфонической творчества композитора.
Наиболее значительные произведения последних лет жизни Брамс — „Четыре строгих напева" для баса на библейские тексты, а также сборник из сорока девяти народных песен, композитор записал и обработал.
Музыкальная культура романтизма в Италии XIX века
Начало XIX века – время борьбы итальянского народа за освобождение страны от французского и австрийского господства. Это движение получило название Рисорджименто. В борьбе принимали участие также деятели культуры Италии. В искусстве идеи патриотизма и героики привели к формированию романтического направления.
Опера Италии XIX века
В музыке новый стиль развивался медленно. Наиболее популярным жанром была опера, в которой господствовали устаревшие жанры opera seria и opera buffa. Лишь в середине XIX века сформировалась новая национальная оперная школа, создателем которого был композитор Джоаккино Россини (1792-1868 гг.).
Джоаккино Россини
Россини родился в семье музыкантов в городе Пезаро. В раннем возрасте переселился в Болонью, где начал систематически заниматься музыкой. В четырнадцать лет Россини был избран членом Болонской музыкальной академии и поступил в музыкальный лицей, который закончил в 1810 году. В том же году была поставлена его первая опера, которая сразу принесла композитору огромный успех. В тридцать лет Россини был уже всемирно известным композитором, автором тридцати трех опер. Большинство из них написаны в жанре opera buffa. Самые известные – „Севильский цирюльник” и „Золушка”.
Опера „Севильский цирюльник” написана в 1816 году на сюжет первой части знаменитой пьесы Бомарше. Ее действующие лица напоминают персонажей итальянской „комедии масок”. Музыка воплощает преимущественно юмор, веселье, комизм ситуаций, в ней мало душевной взволнованности и психологизма. По традиции, в опере господствует сольное пение. Но, в отличие от традиционной оперы buffa, музыка Россини отмечается остроумием, яркостью, блеском, в ней слышны ритмы и интонации итальянской народной музыки XIX века. Заметно возрастает роль оркестровых эпизодов. „Севильский цирюльник” считается вершиной в развитии жанра opera buffa.
В 1822 году Россини посещает Вену, где знакомится с творчеством Генделя, Глюка, Моцарта, Бетховена, Вебера. С 1824 года композитор живет в Париже. Там в 1829 году была написана его последняя опера – „Вильгельм Телль”, положившая начало новому жанру в итальянской опере – героико-романтической музыкальной драме. Сюжет оперы связан с идеей национально-освободительной борьбы. Большое значение имеют хоровые сцены, более глубокими становятся характеристики персонажей, во многом это передается средствами оркестра. Особенно выразительна увертюра к опере, которая стала самостоятельным концертным номером.
После создания оперы „Вильгельм Телль” Россини перестал писать для сцены. Композитор умер в 1868 году в Париже. В 1887 году его перезахоронили в Италии.
Винченцо Беллини (1801-1835 гг.) и Гаэтано Доницетти (1797-1848 гг.)
Под влиянием музыки Россини развивалась творчество его младших современников – Винченцо Беллини (1801-1835 гг.) и Гаэтано Доницетти (1797-1848 гг.), в свое время очень известных композиторов. В лучших операх Беллини отразилось подъем национально-освободительного движения в Италии, развивались элементы романтизма.
Композитор Беллини родился в городе Катания семье музыкантов, музыку писал с шести лет, позже учился в Неаполитанской консерватории. Из его одиннадцати опер лучшими считаются „Норма”, „Сомнамбула”, „Пуритане”. Наиболее полно внутренний мир героев раскрывается в ариях, что требуют от исполнителей особого мастерства. В музыке Беллини романтическая возвышенность сочетается с утонченным лиризмом и мечтательностью, мягким грустью. Композитор умер в 1835 году в Париже в расцвете таланта.
Гаэтано Доницетти родился в городе Бергамо, там же учился в музыкальной школе, а затем в Болонской консерватории. Написал около семидесяти опер в различных жанрах, самые известные из них – лирическая „Лючия ди Ламмермур” драматическая „Фаворитка”, комическая „Любовный напиток”. Оперы Доницетти отличались легкостью мелодики, доступностью и изысканностью, но вместе с тем композитор часто чрезмерно увлекался внешними эффектами, преувеличенной вокальной виртуозностью. В середине XIX века Доницетти был одним из самых популярных оперных композиторов Европы.
Джузеппе Верди
Вершиной развития итальянской оперы XIX века стало творчество Джузеппе Верди (1813-1901 гг.). В его музыке, которая опиралась на национальные итальянские традиции, соединились черты романтизма и реализма, оригинальность сочетается с доступностью.
Верди родился в бедной сельской семье, музыке учился самостоятельно и в местных музыкантов-любителей. В восемнадцать лет пытался поступить в Миланской консерватории, но его не приняли. Совершенствовать музыкальное образование будущему композитору помогал дирижер миланского оперного театра „La Scala” Винченцо Лавинья. В 1839 году состоялась премьера первой оперы Верди „Оберон”, тепло воспринятой слушателями. В дальнейшем стали поступать заказы на новые оперы, что упрочили успех композитора. В первых операх („Набукко”, „Ломбардцы” и других) Верди стремился к героико-романтических сюжетов, воплощение резких контрастов, углубление психологических характеристик действующих лиц.
Зрелый период творчества Верди начинается с 50-х годов XIX века. Композитор продолжает развивать в музыке реалистичные черты. В центре его внимания – сильная и внутренне противоречивая личность, сталкивается со злом. Эта идея воплощена в операх „Риголетто” (по пьесе Виктора Гюго „Король забавляется”), „Трубадур”, „Травиата” (по пьесе Александра Дюма-сына „Дама с камелиями”), „Дон Карлос”, „Бал-маскарад”. В этих операх Верди сохраняет традиционный для итальянской оперы распределение действия на отдельные номера, но добивается тесной связи между ними, развитие событий становится более динамичным. Возрастает роль оркестра, развивает и дополняет характеристики персонажей.
Одна из лучших опер Верди – „Аида”, написанная в 1870 году по заказу египетского правительства на открытие Суэцкого канала. События оперы происходят во времена Древнего Египта. Главными в опере стали женские образы – дочери фараона Амнерис и ее рабыни, эфиопской принцессы Аиды, показаны с ровной глубиной и сочувствием. Параллельно с „Аидой” Верди работал над другим большим произведением – „Реквиемом”, который также стал одной из вершин творчества композитора.
В поздний период творчества Верди написал всего две оперы – „Отелло” и „Фальстаф” по мотивам пьес Шекспира. Автором либретто был талантливый поэт и музыкант Арриго Бойто. В опере „Отелло” усилилась роль речитатива, музыка и драматическое действие образуют единое целое. Композитор отказался от деления оперы на номера, действие развивается непрерывно, напряженно и стремительно. Внутренний мир героев показан не только вокальными, но и оркестровыми средствами. Комическая опера „Фальстаф”, которую Верди написал в восемьдесят лет, поражает слушателей энергией, остроумием, красочностью и богатством музыкального языка.
Всего композитор написал двадцать шесть опер. Итальянцы ценили творчество Верди как общественно важное явление. В день его похорон на улицы Милана вышло порядка трехсот тысяч человек. Музыка Верди звучала в исполнении хора и оркестра под управлением дирижера Артуро Тосканини (1867-1857 гг.), который стал впоследствии одним из лучших интерпретаторов опер Верди.
Инструментальная музыка Италии XIX века
Расцвет инструментальной музыки в Италии начала XIX века связан прежде всего с творчеством гениального скрипача Никколо Паганини (1782-1840 гг.).
Никколо Паганини (1782-1840 гг.).
Еще в XVII веке в Италии работали композиторы, которые писали замечательные произведения для скрипки – Корелли, Тартини, Вивальди, а также музыканты-виртуозы и мастера, которые создавали прекрасные инструменты. Эти традиции сохранялись и в конце XVIII века. Однако Паганини, затмив и предшественников, и современников, вошел в историю музыки как выдающийся скрипач-виртуоз, который обладал феноменальной техникой, создатель нового, романтического исполнительского стиля. В творчестве виртуозность Паганини была не самоцелью, а средством выражения необычных фантазий, настроений и переживаний музыканта-романтика.
Никколо Паганини родился в Генуе в семье мелкого торговца, рано начал заниматься музыкой, первый концерт дал в девять лет, исполнив собственные вариации. В дальнейшем Паганини постоянно соединял создания музыки с концертными поездками, сначала по Италии, а с 1828 года – и всей Европой. Концерты принесли Паганини мировую славу, на публику он производил потрясающее впечатление. Паганини стал первым музыкантом, который играл концертную программу без нот.
Все произведения композитора написаны для скрипки соло или для различных инструментальных ансамблей с участием скрипки. Это „24 каприччио для скрипки соло” („каприччио” или „каприсом” называется разновидность этюда), шесть концертов для скрипки с оркестром, сонаты для скрипки и гитары, камерные ансамбли. Паганини считают основателем европейской скрипичной школы мастерства, но его искусство повлияло и на фортепианное исполнительство. Каприсы Паганини обработали для фортепиано Шуман, Лист и Брамс, под влиянием Паганини были созданы этюды Шопена.
Музыкальная культура романтизма Франции XIX века
Оживление в культурной жизни Франции первой половины XIX века во многом связано с революционными событиями, которые начались в конце XVIII века. Бурная общественная жизнь Франции привлекала передовых деятелей культуры и искусства из других стран. Париж стал культурной столицей Европы. Здесь находили признания много деятелей литературы, музыкантов, художников, артистов. Многообразие культурных событий обогащало искусство Франции. В начале XIX века во французском искусстве, прежде всего в литературе, ведущим направлением стал романтизм, представителями которого были писатели Ламартин, Мюссе, Мериме, Гюго, Жорж Санд, художники Делакруа и Жерико. Одновременно формировалось и другое направление - реализм, наиболее ярко проявился в творчестве Бальзака и Стендаля. Самыми известными французскими композиторами в первой половине XIX века были Гектор Берлиоз и Джакомо Мейербер.
Традиции французской симфонической музыки, заложенные Берлиозом, продолжал и развивал композитор Сезар Франк (1822-1890 гг.). Лучшими его сочинениями в этом жанре считаются Симфония ре минор и „Симфонические вариации” для фортепиано с оркестром. Франк писал также фортепианные пьесы, произведения для органа, камерно-инструментальные сочинения, оперы.
Свой вклад в развитие французского симфонизма в XIX веке сделали также Эдуар Лало (1823-1892 гг), который создал новый тип концерта – концерт-сюиту („Испанская симфония”), Эрнест Шоссон (1855-1899 гг.) и другие.
В музыке Франции первой половины XIX века главными были жанры, связанные с театром опера и балет. В 20-х годах XIX века во французской музыке сложился особый жанр – „большая опера” (французской grand opera). „Большая опера” представляла собой яркое музыкально-драматическое действо с массовыми хоровыми и балетными сценами, постановки отличались необычайной роскошью. Первым произведением в этом жанре была опера „Фенелла”, написанная композитором Ф. Обером на либретто Е. Скриба в 1828 году. Однако создателем нового вида французского национального театра считают Дж. Мейербера.
В начале второй половины XIX века в музыке усилилось влияние реализма. Внимание уделялось уже не преувеличенным романтическим переживаниям, а простым и искренним чувством обычных людей. Во французском оперном искусстве сформировался новый жанр – лирическая опера. Отличительной чертой этого жанра стало изображение личной драмы героев. Центральными эпизодами оперы были любовные сцены, важное место в опере занимали жанрово-бытовые эпизоды.
Основатель лирической оперы – композитор Шарль Гуно. Гуно родился в Париже, его отец был художником, а мать – пианисткой. В семнадцать лет будущий композитор поступил в консерваторию. Получив за выдающиеся успехи в учебе Большую Римскую премию, четыре года жил в Италии, посетил Францию и Германию. Вернувшись в Париж, работал органистом и регентом в церкви, руководил Парижским хоровыми обществами, для которых написал множество произведений. Тогда же появились его первые оперы не имели успеха.
С 12 опер, написанных композитором, наибольшую славу ему принесли „Фауст” (на сюжет одноименной трагедии Гете) и „Ромео и Джульетта” (по мотивам пьесы Шекспира). В своих операх Гуно воплощает не глубокий философский смысл этих произведений, а только любовную драму героев. Композитору удалось создать выразительные музыкальные характеристики действующих лиц, в операх много ярких эпизодов, которые рисуют разнообразные картины жизни.
В последние годы Гуно писал преимущественно духовные произведения, а также книги и статьи о музыке и композиторах.
В жанре лирической оперы работал и композитор Жюль Массне (1842-1912 гг.). На его творчество во многом повлияло оперная музыка Гуно, но в то же время произведения Массне отличаются большей мягкостью, изысканностью, изяществом.
Как и Гуно, Массне учился в Парижской консерватории, затем на несколько лет ездил в Италию. Основную часть его творческого наследия составляют оперы. С 25 опер Массне лучшими считаются „Манон” и „Вертер”, рассказывающие о трагической любви. В операх Массне, очень популярных при жизни композитора, воплощен ряд тонких и выразительных женских образов. Массне работал и в других жанрах: писал балеты, оркестровую музыку, песни и романсы. В течение 18 лет он преподавал в Парижской консерватории, воспитав многих известных композиторов.
Произведения в жанре лирической оперы писал также композитор Лео Делиб (1836-1891 гг.). С более чем 30 опер и оперетт композитора наиболее известна „Лакме”. Среди других театральных сочинений Делиба популярные балеты „Сильвия” и „Коппелия”, что и сейчас встречаются в репертуаре театров.
Камиль Сен-Санс (1835-1921 гг.) написал более десяти произведений для музыкального театра, но в репертуаре удержалась только лирическая опера „Самсон и Далила”. Использовав в либретто тему библейской легенды, композитор изображает не драматический конфликт, а любовный сюжет. Из инструментальных произведений Сен-Санса лучшими считаются концерты для фортепиано, скрипки и виолончели с оркестром, симфонические поэмы, а также цикл пьес „Карнавал животных”, особенно пьеса „Лебедь”, на музыку которой поставлена известная в исполнении многих знаменитых балерин сцена „Умирающий лебедь”.
Ярким представителем романтизма в музыке является также Жорж Бизе.
Романтизм y польской музыке
До XIX века европейская музыкальная культура развивалась в основном в трех центрах – Италии, Франции и княжествах Германии и Австрии. С XIX века в связи с интересом романтиков к национальному фольклору, начали формироваться композиторские школы в Польше, Венгрии, России, Норвегии и других странах Европы.
Польша в конце XVIII века потеряла государственную независимость. Расцвет культуры в XIX веке был связан с национальным освободительным движением. В польской литературе революционный романтизм проявился в творчестве писателей А. Мицкевича и Ю. Словацкого, в музыке – у композиторов Ф. Шопена и С. Монюшко.
Творчество Ф. Шопена, первого польского композитора мирового значения, было подготовлено деятельностью многих композиторов и музыкантов – Михаила Огинского, Иосифа Эльснера, пианистки Марии Шимановской, скрипача Генрика Венявского. В их творчестве традиции польской народной музыки сочетались с высоким профессионализмом.
Творчество Фридерика Шопена (1813-1849)
Главной темой Шопена была тема его родины. Образ Польши проходит через все творчество композитора. В своих произведениях Шопен широко использует характерные черты польской народной музыки, часто обращается к национальным танцевальным жанрам – мазурке и полонезу. При этом изысканность и изящество его музыки соединяются с искренностью и доступностью.
Шопен был прекрасным пианистом и музыку писал почти исключительно для фортепиано. Преимущественно это небольшие произведения – мазурки и полонезы, этюды, ноктюрны, экспромты, вальсы, прелюдии. К крупным формам относятся баллады, скерцо, сонаты, два концерта для фортепиано с оркестром. В фортепианной музыке Шопену удалось создать много яркого и нового, переосмыслив и обогатив уже известные жанры.
Шопен родился близ Варшавы в культурной польской семье. Его первым учителем был чешский музыкант Войцех Живный. В пять лет Шопен исполнял несложные пьесы на фортепиано, в семь лет состоялось его первое выступление в Варшаве, тогда же было издано одно из первых произведений. В двенадцать лет Шопен был одним из лучших польских пианистов. Одновременно он получил хорошее общее образование, успешно окончил лицей, интересовался историей и литературой, изучал польский музыкальный фольклор.
В девятнадцать лет Шопен окончил Высшую школу музыки в Варшаве, где его педагогом был И. Эльснер. На то время он был признан лучшим польским пианистом.
В 1830 году Шопен уехал за границу. Вскоре после его отъезда началось польское восстание, жестоко подавленное русскими властями. Шопен решил остаться во Франции.
Вторую половину жизни композитор провел в Париже. Его друзьями стали выдающиеся музыканты Ференц Лист, Гектор Берлиоз, писатели Оноре де Бальзак, Генрих Гейне, Адам Мицкевич, Жорж Санд, художник Эжен Делакруа. Лучшие произведения Шопена, первым исполнителем которых был он сам, написаны именно в парижский период.
После смерти Шопена похоронили в Париже, а его сердце, по завещанию композитора, было отправлено в Польшу, на родину, к которой Шопен стремился до конца своих дней.
Фортепианные произведения Шопена
Много произведений композитор написал в ритме польских народных и городских танцев. Мазурка – это польский народный танец, в котором сочетаются удаль и изысканность. В XIX веке мазурка стала бальным танцем. Мазурки Шопен писал в течение всей жизни, всего их около шестидесяти, разных по характеру и настроению. У многих мазурках заметный связь с польской народной музыкой: употребление народных ладов, басовый органный пункт как подражание звучанию народных инструментов.
Полонез сложился в XVII веке как музыка, что сопровождала парадное шествие польской знати. Позже полонез стал бальным танцем, который распространился по всей Европе. В полонезах Шопена звучит гордость за былое величие Польши и вера в ее возрождение. Один из самых известных его полонезов, A-dur, стал музыкальным символом Польши.
Вальсы Шопена, в отличие от вальсов Шуберта, не предназначенные для бытового танца. Это утонченные романтические миниатюры, изысканные и поэтичные. Обычно каждый из вальсов Шопена построено на нескольких музыкальных темах, объединенных общими интонациями, как, например, вальсы cis-moll и e-moll.
Этюды Шопена в – не просто упражнения для развития определенного вида фортепианной техники. Каждый из этюдов Шопена – глубокое художественное произведение, в котором виртуозные технические приемы помогают донести до слушателя замысел композитора. Знаменитый „Революционный” этюд c-moll, что требует от пианиста блестящей техники левой руки, появился как отклик на поражение восстания в Польше, а волшебный лирический этюд E-dur завораживает удивительной мелодической красотой.
Ноктюрн (в переводе – ночная песня) возник как один из жанров церковной музыки. Первые ноктюрны для фортепиано написал ирландский композитор Джон Филд. Ноктюрны Шопена отличаются от произведений его предшественников глубиной содержания и выразительностью. Все они основаны на темах, близких песенным мелодиям, нежным и мечтательным.
Двадцать четыре прелюдии Шопена иногда называют энциклопедией его творчества. Каждая из этих пьес – законченная картинка, иногда очень краткая, но всегда яркая и впечатляющая. Для каждой из них композитор находит особые выразительные средства, что помогают воплотить его замысел, донести до слушателя разнообразные оттенки настроений и состояний человеческой души.
Творчество Станислава Монюшко (1819-1872)
Монюшко, младший современник Шопена, вошел в историю музыки как основатель польской национальной оперы, а также создатель польского романса. Творчество этого композитора связано с одним из тяжелейших периодов в истории Польши. После поражения восстания 1830 года выдающиеся деятели польской культуры жили и работали за границей, и лишь некоторые, в том числе и Монюшко, оставались на родине и своим творчеством продолжали борьбу за национальное самоутверждение.
Монюшко родился в семье мелкого дворянина Минской губернии, с детства знал и любил народные песни – польские, белорусские, украинские. Музыке его учила мать, потом музыкальное образование продолжалось в Варшаве, Минске, Берлине. После окончания учебы композитор двадцать лет служил органистом в городе Свободно, удаленном от культурных центров. В эти годы он написал сборника романсов, которые назвал „Домашние песенники” и свою наиболее известную оперу „Галька”.
В „Песенники” вошло более 250 романсов. Они написаны в разных жанрах, самый любимый у композитора — балладный, связанный с традициями польской романтической поэзии.
Опера „Галька” отличается от опер современников композитора социально-обличительным характером. Искренность и чистота простых крестьян противопоставлены в ней лживости и бесчувственности шляхты. Композитор не использует в опере народные мелодии, но вся музыка основана на интонациях и ритмах польского фольклора. В музыке, характеризующий крестьян, использованы песенные формы, она простая и мелодичная.
Впервые опера была поставлена в Вильно в 1848 году. Через десять лет она была с огромным успехом исполнена в Варшаве. Монюшко получил признание как национальный композитор, ему поручили руководство Варшавским оперным театром.
После „Гальки” Монюшко написал ряд опер и балетов, а также хоровые произведения на тексты Мицкевича. Но самой известной его работой так и осталась первая опера, принесшая ему славу не только в Польше, но и далеко за ее пределами.
Музыкальная культура Венгрии
Конец XVIII – начало XIX века в Венгрии, как и во многих других европейских странах – время роста национально-освободительного движения. Страна боролась за независимость от Австрии. С этим связан расцвет венгерской литературы и театра, прогресс в музыкальной культуре, внимание к народному творчеству.
Ференц Лист
Первым композитором, благодаря которому венгерская музыка получила мировое признание, стал Ференц Лист (1811-1886 гг), яркий представитель романтизма в музыке. Лист был также гениальным пианистом, выдающимся дирижером, большим музыкально-общественным деятелем. Ведущими в его творчестве были фортепианная и симфоническая музыка.
Лист родился в городке Доборьян в семье служащего князей Эстергази. Его первыми музыкальными впечатлениями стали неповторимо своеобразные венгерские народные песни и танцы, а также музыка венгерских цыган. Позже Лист неоднократно обращался к этим мелодий в своем творчестве. Отец будущего композитора любил музыку, играл на фортепиано и виолончели, был знаком с Гайдном и известным пианистом Гуммелем. Он стал первым учителем сына.
В девять лет Лист уже давал концерты. Для продолжения музыкального образования семья переехала в Вену, где Лист брал уроки у Карла Черни, ученика Бетховена и Сальери. Завершал образование юный музыкант в Париже. В консерватории его, как иностранца, не приняли, и Лист брал частные уроки. Большое влияние на формирование его таланта имели выдающиеся современники – Берлиоз, Паганини, Шопен. Под влиянием виртуозного стиля Паганини во многом сформировалось отношение Листа к фортепиано. Композитор открыл новые возможности инструмента, приблизив звучание рояля к мощи и выразительности оркестра.
С 1835 по 1847 года Лист выступал с сольными концертами во многих европейских странах. Он стал известным пианистом Европы. С триумфом проходили его концерты в Венгрии, где Листа приветствовали как национального героя. Трижды композитор побывал в России, давал концерты в разных городах, познакомился со многими русскими музыкантами – Глинкой, Верстовським, Варламовым, Алябьевым. Под впечатлением от этих поездок появились фантазии Листа на темы русских и украинских народных песен.
Карьеру пианиста, концертирует, Письмо закончил поездкой по городам Украины. Свой последний концерт он дал в октябре 1847 года в Елисаветграде (Кировоград).
С 1848 года Лист прекратил выступления и поселился в Веймаре, куда его пригласили руководить театром. Благодаря усилиям Листа, Веймар превратился в один из крупнейших музыкальных центров Европы. На сцене театра ставились лучшие современные оперы и произведения классиков, Лист писал книги и статьи, в которых излагал свои взгляды на искусство.
Этот период стал наиболее продуктивным в творчестве композитора. В Веймаре появились цикл фортепианных пьес „Годы странствий”, в которых Лист передал впечатления от картин природы, произведений искусства, сцен из жизни, а также вершина его фортепианной творчества – соната h-moll. Создаются переложения для фортепиано произведений Баха, Бетховена, Берлиоза, Шумана, Шуберта, Моцарта и других композиторов – так называемые транскрипции, пятнадцать „Венгерских рапсодий” и „Этюды высшего мастерства” для фортепиано, Первый и Второй фортепианные концерты, цикл пьес „Утешения”. Лист пишет симфонические произведения нового жанра – программные „симфонические поэмы”, в которых все произведение построено на развитии одной ведущей темы (принцип монотематизму). Самые известные из симфонических поэм Листа – „Прелюды”, „Венгрия”, а также „Мазепа”.
В 1861 году Лист оставил работу в театре и жил попеременно в Риме, Веймаре и Будапеште, занимаясь созданием музыки и педагогической деятельностью. В последние годы жизни композитор написал оратории „Святая Елизавета” и „Христос”, симфонии „Фауст” и „Данте”, цикл фортепианных пьес „Венгерские исторические портреты”, в которых воплотил образы общественных деятелей, писателей, композиторов своей родины, вокальные произведения.
Важное место в жизни Листа в этот период занимала общественная деятельность. Он оказывал поддержку передовым композиторам Чехии, Польше, Норвегии, Испании. Особое восхищение Листа вызывало творчество русских композиторов. Он переписывался со многими из них и постоянно просил присылать новые произведения.
В конце жизни Листа еще более окрепли связи композитора с родиной. Он становится во главе музыкальной жизни Венгрии, много выступает в Будапеште как дирижер и пианист. По инициативе Листа в Будапеште в 1875 году была создана Музыкальная академия, первым президентом и профессором которой он стал.
Ференц Эркель
В творчестве Листа ведущими направлениями были фортепианная и симфоническая музыка. Создателем национальной венгерской оперы стал Ференц Эркель (1810-1893 гг.). Творчество этого композитора основано на венгерском фольклоре, а сюжеты всех его восьми опер связанные с историческими событиями и преданиями Венгрии. Самые известные из опер Эркеля – лирико-драматическая „Банк-бан” и героико-романтическая „Ласло Хуньяди”. Эркель был также талантливым пианистом и дирижером, занимался общественной деятельностью. В течение четырнадцати лет он руководил в Будапеште Музыкальной академии и преподавал в ней класс фортепиано. Деятельность Эркеля высоко ценил Лист.
Михай Мошоньи
Одновременно с Эркелем писал оперы великий композитор и общественный деятель Михай Мошоньи (1814-1870 гг.). Лист считал Мошоньи „одним из самых благородных, мужественных и достойных представителей венгерской музыки” и использовал некоторые его темы в своих произведениях.
В конце XIX века, после смерти Мошоньи, Листа, Эркеля, музыкальные учреждения Венгрии надолго оказались в руках иностранцев, преимущественно австрийцев. В них пропагандировались произведения композиторов Австрии и Германии. Венгерские национальные традиции сохранялись в развлекательной музыке, которую составляли музыканты-любители. Преодолеть разрыв между иностранным профессионализмом и национальным дилетантизмом выпало выдающемуся композитору XX века Беле Бартоку (1882-1845 гг.), всесторонне образованному музыканту и одному из самых выдающихся фольклористов. Одновременно с ним славу венгерской музыки упрочил Золтан Кодай (1882-1967 гг.).
Музыкальная культура Чехии в эпоху романтизма
С XVII века Чехия была частью австрийской империи, что угнетало развитие чешской национальной культуры. Много чешских музыкантов в XVIII и начале XIX века были вынуждены покидать родину и работать в разных странах Европы. Большую роль в развитии европейской музыки сыграли чешские музыканты, которые работали в оркестрах Вены и Мангейма, композиторы Ян Ваньхаль, Леопольд Кожелух, Йозеф Мысливечек, а также выдающиеся педагоги, среди которых – первый учитель Шопена Войцех Живный.
С конца XVIII века, в связи с подъемом национально-освободительного движения, более активной становится музыкальная жизнь в столице Чехии Праге, что постепенно превратилась в большой музыкальный центр. Специально для Пражского театра была написана опера Моцарта „Дон Жуан”, в начале XIX века открылась Пражская консерватория, несколько лет оперным театром руководил Вебер, в Праге гастролировали Лист, Берлиоз, Роберт и Клара Шуман. В середине XIX века достигла высокого расцвета и чешская национальная музыка. Это было связано с творчеством двух величайших композиторов – основателя национальной классики Бедржиха Сметаны и его соратника и последователя Антонина Дворжака.
Музыка романтизма в творчестве Эдварда Грига
В течение нескольких столетий Норвегия находилась в зависимости от Дании, а потом Швеции. С середины XIX века началась борьба государства за независимость и связанный с ней рост национальной культуры и искусства.
Выдающимся представителем норвежской музыки стал Эдвард Григ (1843-1907 гг.), композитор мирового значения, оказавший влияние не только на творчество скандинавских авторов, но и на европейскую музыку в целом. Григ ярко и выразительно воплотил в музыке образы народной поэзии и родной природы, заложив основы норвежской национальной классики.
В творчестве Грига широко используются особенности норвежской народной музыки: многочисленные орнаменты, альтерированные ступени, а также ритмы народных песен и танцев – спрингара, халлинга, гангара. Для его произведений характерны крупные формы. Григ писал песни, фортепианные пьесы, камерные ансамбли, пьесы для симфонического оркестра.
Григ родился в городе Берген, первые уроки музыки получил от матери. Сочинять музыку начал с двенадцати лет. В пятнадцать лет поступил в Лейпцигскую консерваторию, где познакомился с музыкой немецких романтиков, что имела на него большое влияние. После окончания консерватории Григ несколько лет жил в Копенгагене. Там он познакомился с писателем Гансом Кристианом Андерсеном, совершенствовал музыкальное образование у композитора Нильса Гаде. В Копенгагене Григ познакомился с певицей Ниной Хагеруп, которая стала впоследствии его женой и первой исполнительницей вокальных произведений.
С 1866 по 1874 годы композитор жил в столице Норвегии, работал дирижером Филармонического общества. В эти годы были написаны знаменитый Концерт для фортепиано с оркестром, „Лирические пьесы” для фортепиано, ряд песен на слова поэтов Андерсена, Б'йорнсона, Ибсена. Большое значение для молодого композитора имела поддержка Листа, который высоко оценил его работу.
С 1875 года Григ постоянно жил в родном Бергене. В этот период было написано одно из самых известных сочинений композитора – музыка к драме Г. Ибсена „Пер Гюнт”, а также Баллада для фортепиано, „Норвежские танцы” для фортепиано в четыре руки, ряд тетрадей фортепианных пьес и вокальной лирики, другие произведения. Музыка Грига приобретает все большее признание на родине и за рубежом. Композитор посещал с концертами много европейских столиц, где выступал как пианист и дирижер. Григ был избран членом ряда академий, а в 1893 году вместе с Чайковским – доктором Кембриджского университета.
Музыка Испании XIX века
С конца XVII века политика, экономика и культура Испании переживали затянувшийся кризис. Общий упадок не коснулся только народного музыкального творчества, которое в Испании было очень разнообразным. Наиболее интересной была музыка Арагонии с ее популярным танцем хота, и Андалусии, где были сильные воздействия арабской и цыганской музыки. В Андалусии были распространены танцевальные мелодии фанданго, а также своеобразный стиль исполнения – фламенко. Любимым инструментом народных музыкантов была гитара.
Много европейских композиторов XIX века восхищались народной музыкой Испании и воплощали ее характерные черты в своих произведениях.
С середины XIX века музыкальная жизнь Испании активизируется. В Барселоне и Мадриде открываются консерватории и оперные театры, появляются выдающиеся профессиональные исполнители: певец Мануэль Гарсиа, его сын Мануэль и две дочери, которые прославились в Европе – Мария Малибран и Полина Виардо, скрипач-виртуоз Пабло Сарасате. До создания профессиональной национальной музыки призвал композитор, музыковед и педагог Фелипе Педрель, который написал несколько романтических опер.
Наиболее ярким испанским музыкантом XIX века был Исаак Альбенис (1860-1909 гг.), выдающийся композитор и пианист, романтик, который поэтически воплотил в музыке особенности испанской культуры.
Учиться музыки Альбенис начал с четырех лет. В девять лет он пытался бежать из дома и выступать с концертами. Через три года он вновь бежал в Южную Америку, зарабатывал на жизнь концертами, позже выступал в разных городах Европы. В восемнадцать лет Альбенис познакомился с Листом и стал учеником великого композитора, повсюду сопровождая его в течение двух лет. Именно Лист пробудил интерес юного музыканта к испанскому фольклору. Благодаря занятиям с Листом Альбенис стал одним из лучших пианистов Европы. До 1893 года он много выступал с концертами, затем поселился во Франции, где провел последние годы.
Альбенис написал около пятисот произведений, преимущественно для фортепиано. В лучших из них отражены национальные песни и танцы, колорит и пейзажи Испании. Это сборник „Испанские напевы”, сюиты „Испания”, „Иберия” и другие. В музыке Альбениса широко используются особенности андалуского стиля фламенко, в некоторых пьесах композитору удалось передать на фортепиано особенности звучания шестиструнной гитары.
Легкая музыка эпохи романтизма: развлекательные музыкальные жанры
В середине XIX века в европейских странах были очень популярны развлекательные музыкальные жанры.
Оперетта
В это время сформировался жанр оперетты (с итальянского – „маленькая опера”). Оперетта возникла на основе традиций французской и итальянской комической оперы, австрийского и немецкого зингшпиля. Основой развития действия в оперетте есть музыка, но, в отличие от оперы, преобладают облегченные формы – куплетные песни, бытовые танцы чередуются с разговорными диалогами. Для оперетты характерны несложные веселые сюжеты, иногда с элементами сатиры.
Создателем французской оперетты считают Жака Оффенбаха (1819-1880 гг.). Оффенбах родился в Германии, очень рано начал играть на скрипке и виолончели и сочинять музыку. В четырнадцать лет он переехал в Париж и поступил в консерваторию, после окончания которой играл в оркестре и писал музыку, что сначала не имела успеха. В 1855 году Оффенбах открыл собственный театр „Парижские буфы” – первый в мире театр оперетты. На его сцене в 1858 году состоялась премьера первой великой оперетты, принесшая автору славу – „Орфей в аду”. В общем Оффенбах написал более сотни музыкально-театральных произведений. Самые известные из них – „Прекрасная Елена”, „Синяя Борода”, „Парижская жизнь”. Для своих оперетт он обычно выбирал сюжеты, в которых содержались намеки на современные композитору политические события, а в музыке опирался на песенно-танцевальные жанры, родившиеся в ночных кофейнях – куплеты и канкан, быстрый эротический танец, что, как правило, был кульминацией спектакля. Последнее произведение Оффенбаха, романтическая лирико-комедийная опера „Сказки Гофмана”, была впервые поставлена после смерти автора.
В Австрии одним из первых начал писать оперетты композитор и дирижер Франц фон Зуппе. Самое известное его произведение – „Донна Жуанита”.
Однако родоначальником венской оперетты считается Иоганн Штраус (1825-1899 гг.), который также вошел в историю музыки как крупнейший мастер вальса. Иоганн Штраус родился в Вене в семье музыканта. Музыкой занимался с раннего детства, свой первый вальс написал в шесть лет. Его отец, Иоганн Штраус-старший (1804-1849 гг.), был руководителем небольшого струнного оркестра, для которого сам писал музыку, в основном танцевальную. Гастроли оркестра Штрауса-отца с большим успехом проходили в Англии, Франции, Германии.
Другом и соперником Штрауса-старшего был композитор, скрипач и дирижер Йозеф Ланнер (1801-1843 гг.), которого считают одним из основателей венского вальса. Оркестр Ланнера был среди первых, начавших выполнять симфонизированную танцевальную музыку – циклы из пяти вальсов со вступлением и окончанием. Однако с 1844 года лучшим композитором и исполнителем танцевальной музыки в Вене становится Иоганн Штраус-младший со своим оркестром. Штраус написал около пятисот концертно-бытовых произведений почти треть из них – вальсы. Ранние вальсы Штрауса-сына напоминали произведения его отца и Ланнеру, но очень скоро он обновил популярный жанр, расширив его форму и обогатив содержание. Лучшие вальсы Штрауса, такие как „Синий Дунай”, „Жизнь артиста”, „Сказки венского леса”, „Весенние голоса” – это танцевальные поэмы, передающие различные оттенки настроения и картины природы. Популярность оркестра Штрауса быстро росла. Он много выступал в Европе, в 1872 году посетил с концертами Америку. С 1855 по 1865 годы, затем в 1869 и 1872 годах Штраус приезжал на гастроли в Россию, где, помимо своей музыки, исполнял произведения русских композиторов – Глинки, Серова, Чайковского.
Русские напевы использованы в его вальсе „Прощание с Петербургом”, „Русской фантазии”, фортепианной фантазии „В русской деревне”. Второй период творчества Штрауса связан с жанром оперетты. Театральную музыку композитор начал писать, ознакомившись с творчеством Жака Оффенбаха. В опереттах Штрауса, как и в его концертной музыке, преобладают танцевальные жанры — вальс, полька, галоп, чардаш. В целом венская оперетта, сравнительно с парижской, более лирическая и музыкальная, в ней звучит не острая сатира, а добрый юмор. Лучшие оперетты Штрауса – „Летучая мышь” и „Цыганский барон” – и сейчас с успехом ставятся в театрах. Традиции венской оперетты, заложенные Иоганном Штраусом, были продолжены в начале XX века венгерскими композиторами Ференцем Легаром (1870-1948 гг.) и Имре Кальманом (1882-1953 гг.), творчество которых была связана с Веной. В знаменитых опереттах Легара „Веселая вдова”, „Граф Люксембург”, „Цыганская любовь” сочетаются мотивы австрийских, венгерских, румынских и славянских песен и танцев. Яркими танцевальными мелодиями, близкими к венгерской народной музыки, отличаются оперетты Кальмана „Сильва”, „Баядера”, „Графиня Марица”, „Принцесса цирка”, „Фиалка Монмартра”.